Die 15 wichtigsten klassischen Rockalben aller Zeiten, Rangliste
Klassischer Rock mag im Radio geboren worden sein, aber in den Clubs und auf der Straße war es das A und O. Zwischen Mitte der 60er und frühen 80er Jahre verlagerte sich das Ziel von einem eingängigen dreiminütigen Hit hin zu der Frage, wie weit man die Wände eines Aufnahmestudios ausdehnen konnte. Es war eine Zeit des totalen, hartnäckigen Trotzes. Wann Königin versuchte, die Oper in eine zu vermischen Rocksongihnen wurde gesagt, es sei ein Fehler gewesen. Wann David Bowie Als er als Außerirdischer aus dem Weltraumzeitalter auftauchte, wusste die Industrie nicht, was sie mit ihm anfangen sollte. Sie haben es trotzdem getan, und das ist warum wir immer noch über sie reden.
Um die meisten zu verstehen Musik Von heute muss man die dadurch verursachten seismischen Verschiebungen verstehen die Legenden der das Handwerk der Langform-LP beherrscht. Das Ranking dieser Rekorde ist mehr als nur eine Reise in die Vergangenheit, es ist eine Prüfung der kulturellen Auswirkungen. Wir schauen uns die Alben an, die technische Innovationen voranbrachten und den Soundtrack für eine Generation der Rebellion lieferten. Während wir bis zur Nummer eins herunterzählen, werden wir die technische Zauberei der Prog-Rock-Ikonen, die rohe emotionale Ehrlichkeit der Folk-Legenden und den dunklen, theatralischen Ehrgeiz der Bands erkunden, die Rock zu einer Hochkunstform gemacht haben. Dies ist die endgültige Rangliste der 15 wichtigsten klassischer Rock Alben aller Zeiten.
15
4 german11 Bewegte Bilder von Rush
1981 erschienen, Bewegte Bilder stellt die Brücke zwischen dem Progressive Rock der 70er Jahre und dem ausgefeilteren, synthlastigen Rock dar Sound der 80er. Es ist das Album, auf dem Rush die Kunst des „radiotauglichen Epos“ perfektionierte. Während „Tom Sawyer“ die definitive Hymne für jeden Air-Drummer auf dem Planeten bleibt, zeigen die technische Präzision von „YYZ“ und die filmische Bandbreite von „The Camera Eye“ eine Band auf dem absoluten Höhepunkt ihrer kollektiven Virtuosität.
Über die technische Zauberei hinaus, die Das Album besticht durch seine lyrische Bodenständigkeit. Neil Peart wandte sich von High-Concept-Science-Fiction ab und widmete sich den Themen Identität und Ruhm. Es ist eine seltene Platte, die sowohl den elitären Musiktheoriestudenten als auch den Gelegenheitsfan des klassischen Rocks zufriedenstellt. Indem sie komplexe Taktarten mit unbestreitbaren Hooks in Einklang brachten, bewiesen Rush, dass intellektueller Rock nicht unzugänglich sein muss, und festigten ihren Status als Legenden des Genres.
14
Blood on the Tracks von Bob Dylan
Wird oft als das größte „Trennungsalbum“ bezeichnet, das jemals aufgenommen wurde. Blut auf den Gleisen gefunden Bob Dylan Rückkehr zur Form nach einer Phase des kreativen Übergangs. Die Veröffentlichung von 1975 ist durchdrungen von akustischer Intimität und roher, poetischer Verletzlichkeit. Tracks wie „Tangled Up in Blue“ nutzen einen einzigartigen Erzählstil, bei dem Zeit und Perspektive fließend wechseln, was beweist, dass Dylan auch nach einem Jahrzehnt seiner erfolgreichen Karriere der unbestrittene Meister des Folk-Rock-Songwritings blieb.
Die Bedeutung des Albums liegt in seiner emotionalen Ehrlichkeit. Unabhängig davon, ob es direkt vom Scheitern seiner Ehe inspiriert war oder nicht, ist das Gefühl der Sehnsucht und des Bedauerns in jeder Note spürbar. Es hat das entfernt kryptischen Surrealismus seiner 60er-Jahre-Arbeit zugunsten von etwas Instinktiverem und Menschlicherem. Für jeden Songwriter, der die Komplexität des menschlichen Herzens einfangen möchte, bleibt diese Platte das maßgebliche Lehrbuch darüber, wie man Schmerz in zeitlose Kunst verwandelt.
13
Hotel California von Eagles
Hotel Kalifornien ist eine düstere und filmische Erkundung der Schattenseiten des amerikanischen Traums. Der 1976 erschienene Titeltrack gab mit seinen eindringlichen Gitarrenharmonien und kryptischen Texten über einen Ort, den man „niemals verlassen kann“, den Ton für einen zynischen Blick auf die Dekadenz der Musikszene von Los Angeles vor. Es markierte den Moment Adler von Country-Rock-Lieblingen zu stadionfüllenden Rock-Ikonen mit einer viel schärferen Kante.
Die Produktion der Platte ist akribisch und zeigt die nahtlose Integration von Joe Walshs düstere Gitarre Arbeiten Sie mit den charakteristischen Gesangsharmonien der Band. Lieder wie „Leben auf der Überholspur“ Und „Neues Kind in der Stadt“ Fangen Sie eine bestimmte Ära des Überflusses der 70er Jahre ein und bleiben Sie Jahrzehnte später klanglich frisch. Es ist ein Denkmal für den „California Sound“ und fängt sowohl die sonnenverwöhnte Schönheit der Küste als auch die Schatten ein, die direkt unter der Oberfläche der Hollywood Hills lauern.
12
„Aufstieg und Fall von Ziggy Stardust“ von David Bowie
1972 war das Jahr David Bowie brachte einen Messias zur Welt. Aufstieg und Fall von Ziggy Stardust und den Spinnen vom Mars ist das Inbegriff des Glam-Rock-Konzeptalbums und handelt von einem außerirdischen Rockstar, der geschickt wurde, um eine sterbende Erde zu retten. Von der apokalyptischen Eröffnung von „Five Years“ bis zum theatralischen Finale von „Rock ‘n’ Roll Suicide“ nutzte Bowie diese Platte, um die Grenzen zwischen Performance-Kunst, Mode und knallhartem Rock’n’Roll zu verwischen.
Bowies Alter Ego gab einer ganzen Generation von Außenseitern die Erlaubnis, zu sein, wer immer sie sein wollten.
Das Erbe des Albums zeichnet sich durch seine Furchtlosigkeit in Bezug auf Geschlecht, Sexualität und Persönlichkeit aus. Bowies Alter Ego gab einer ganzen Generation von Außenseitern die Erlaubnis, zu sein, wer immer sie sein wollten. Musikalisch, Mick Ronsons beißende Gitarrenriffs lieferte den perfekten Mut, um Bowies melodische Sensibilität auszugleichen. Es definierte neu, wie ein Rockstar aussehen könnte und wie ein Rockalbum als zusammenhängende, theatralische Erzählung funktionieren könnte, die alles von Punk bis Pop beeinflusste.
11
Who’s Next von The Who
Geboren aus der Asche von Pete Townshend ist verlassen Lebenshaus Projekt, Wer kommt als nächstes? ist wohl das kraftvollste Studio-Statement von Die WHO‘s Karriere. Mit dem hypnotischen Puls von „Baba O’Riley“ und dem explosiven „Won’t Get Fooled Again“ war es ein Vorreiter beim Einsatz von Synthesizern im Rock. Trotz der High-Tech-Experimente verliert das Album nie seine ursprüngliche Kraft, die durch Keith Moons chaotisches Schlagzeugspiel und Roger Daltreys definitiven, das Stadion erschütternden „Rock God“-Gesang verankert wird.
Hier gibt es keinen Füller; selbst die tieferen Stücke wie „Bargain“ und das eindringliche „Behind Blue Eyes“ sind grundlegend…
Was dieses Album zu einem Top-15-Anwärter macht, ist seine schiere Dichte Meisterwerke. Hier gibt es keinen Füller; Sogar die tieferen Stücke wie „Bargain“ und das eindringliche „Behind Blue Eyes“ bilden die Grundlage des klassischen Rockkanons. Es fängt eine Band ein, die sich von der Mod-Energie der 60er Jahre zu einem anspruchsvollen, schlagkräftigen Kraftpaket entwickelt. Die LP könnte als ultimative Meisterklasse für die Integration von Technologie in Rockmusik dienen, ohne dabei die rohe, instinktive Energie einer vierköpfigen Band zu opfern.
10
Boston für Boston
1976 veränderte Tom Scholz, ein Polaroid-Ingenieur, der in seinem Keller arbeitete, den Klang des Radios für immer. BostonDas selbstbetitelte Debüt ist ein Wunder der analogen Produktion und zeichnet sich durch einen „Wall of Sound“-Gitarrenton aus, der sowohl melodisch als auch unglaublich schwer ist. „More Than a Feeling“ ist vielleicht die perfekteste Radiosingle aller Zeiten aufgenommen und verbindet aufsteigenden Gesang mit einer nostalgischen Sehnsucht, die die „AOR“-Ära (Album Oriented Rock) der späten 1970er Jahre prägte.
Das Album ist bedeutsam, weil es ein Maß an klanglichem Perfektionismus einführte, das noch nie zuvor gehört worden war. Jede Harmonie ist makellos und jedes Solo ist sorgfältig komponiert. Während einige Kritiker es damals so bezeichneten „Corporate Rock“ Die anhaltende Popularität von Titeln wie „Peace of Mind“ und „Foreplay/Long Time“ beweist, dass das Songwriting ebenso stark war wie die Produktion. Es bleibt eines der meistverkauften Debütalben aller Zeiten.
9
Sergeant. Pepper’s Lonely Hearts Club von den Beatles
Es ist unmöglich, die Geschichte des Rock ohne sie zu diskutieren Sergeant. Pfeffer. Es erschien 1967 und war der Moment, in dem Rockmusik zur Kunst mit einem großen A wurde. Die Beatles zog sich vom Touren zurück, um das Studio als Instrument zu betrachten und Orchester, Tiergeräusche und innovative Aufnahmetechniken zu nutzen, um ein psychedelisches Wandteppich zu schaffen. Das „Konzept“ des Albums – eine fiktive Blaskapelle – ermöglichte es der Gruppe, ihrem eigenen Ruhm zu entkommen Experiment mit beispielloser kreativer Freiheit.
Vom Sitar-getränkten „Within You Without You“ bis zum monumentalen, mehrteiligen „A Day in the Life“ Das Album erweiterte die Grenzen dessen, was auf Band festgehalten werden konnte. Es war nicht nur eine Platte; Es war ein kulturelles Ereignis, das den „Sommer der Liebe“ einläutete. Sein Einfluss auf die Produktion, die Albumverpackung und die Idee eines Konzeptalbums ist unermesslich. Es bleibt das endgültige Statement der Gegenkultur der 1960er Jahre und der Höhepunkt der Pop-Rock-Experimente.
8
Haben Sie Erfahrung mit der Jimi Hendrix Experience?
Wann Jimi Hendrix Als er in London ankam, stimmte er im Grunde die Ohren der Welt neu. Sein Debüt 1967, Sind Sie erfahren?führte einen Stil des Gitarrenspiels ein, der von einem anderen Planeten zu kommen schien. Durch den Einsatz von Feedback, Wah-Wah-Pedalen und beispielloser Verzerrung verwandelte Hendrix die E-Gitarre in ein lebendiges, atmendes Gebilde. Hits wie „Purple Haze“ und „Foxey Lady“ kombinierten bluesbasierte Grundlagen mit einer psychedelischen Wildheit, die seine Zeitgenossen, darunter Eric Clapton und Pete Townshend, in Staunen versetzte.
Die Bedeutung des Albums liegt in der völligen Neuinterpretation der Klangpalette des Rock. Die Verschmelzung von Soul, R&B, Rock und Jazz auf dem Album schuf eine Blaupause für jede nachfolgende Heavy-Metal- und Hardrock-Band. Sogar über die Gitarrenarbeit hinaus, Hendrix‘ Songwriting und die enge Rhythmussektion von Mitch Mitchell Und Noel Redding schuf ein grooviges, kosmisches Atmosphäre, die in ihrer Coolness und Innovation ihresgleichen sucht.
7
Gerüchte von Fleetwood Mac
Aufgenommen inmitten spektakulärer Romantik Zusammenbruch aller fünf Bandmitglieder, Gerüchte ist der ultimative Beweis dafür, wie man persönliche Unruhen in kommerzielles Gold verwandelt. Das 1977 erschienene Album ist eine makellose Sammlung von Folk-Pop- und Soft-Rock-Perfektion. Die Spannung zwischen Lindsay Buckingham, Stevie Nicks und Christine McVie führte zu einem lyrischen „Er sagte, sie sagte“-Kampf, der Songs wie „Go Your Own Way“ und „Dreams“ bei Millionen von Zuhörern weltweit Anklang fand.
Musikalisch liegt die Genialität des Albums in seinem Arrangement und seiner Zurückhaltung. Mick Fleetwood und John McVie sorgen für eine der dichtesten Rhythmusgruppen der Geschichtewodurch die drei unterschiedlichen Songwriter glänzen können. Jeder Titel fühlt sich wie ein Hit an, vom eindringlichen, bassbetonten Aufbau von „The Chain“ bis zum optimistischen Schwung von „Don’t Stop“. Es bleibt eines der meistverkauften Alben aller Zeiten, weil es das universelle Durcheinander von Beziehungen mit unglaublicher Klangklarheit einfängt.
6
Led Zeppelin IV von Led Zeppelin
Led ZeppelinDas vierte Album, das 1971 veröffentlicht wurde, ist die ultimative „Heavy“-Rock-Platte. Indem Zeppelin sich weigerte, dem Album einen offiziellen Titel zu geben oder den Namen der Band auf das Cover zu setzen, zwang er die Musik, für sich selbst zu sprechen – und sie schrie. Vom unerbittlichen Groove von „Black Dog“ bis zur Hippie-Folk-Mystik von „The Battle of Evermore“ bietet das Album alles die unglaubliche Bandbreite der Band. Es ist das definitive Dokument des 70er-Jahre-Hardrocks in seiner mystischsten und kraftvollsten Form.
Im Mittelpunkt des Albums steht “Treppe zum Himmel,” Ein Lied, das so allgegenwärtig ist, dass es standardmäßig zur klassischen Rockhymne geworden ist. Der langsame Aufbau des Tracks von einer akustischen Blockflötenmelodie bis zu einem fulminanten Jimmy Page-Solo ist ein Meisterwerk dynamischer Spannung. Gepaart mit John Bonhams legendärem Drumsound „When the Levee Breaks“ vermittelte das Album ein Gefühl von bluesigem Soul, das nur wenige ihrer Nachahmer jemals reproduzieren konnten.
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