10 klassische Animes aus den 80ern, die es nie in den Mainstream geschafft haben

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Monday, 9 Feb 2026 01:06 0 german11

Jenseits des goldenen Zeitalters der 90er JahreDie 1980er Jahre waren eine bedeutende Ära für Anime. Die Schöpfer gingen über einfache Unterhaltung hinaus und erkundeten unkonventionelle Ideen und mutige künstlerische Ansätze. Während berühmte Titel wie Akira Und Dragonball Obwohl er weltweit an Popularität gewann, blieben viele Anime-Filme aus demselben Jahrzehnt unbeachtet.

Little Nemo: Abenteuer im Schlummerland (1989)

Nemo hält einen Stab und führt die Gemeinde Slumberland im Wald an

Kleiner Nemo: Abenteuer im Schlummerland Im Mittelpunkt steht der junge Nemo. Er wird von seinem Zuhause in New York nach Slumberland verschleppt und wird zum Spielkameraden und Erben von König Morpheus. Mit einem goldenen Schlüssel öffnet er aufgrund der Versuchungen des Clowns Flip eine verbotene Tür und entfesselt den Albtraumkönig. Mit seinen Verbündeten begibt sich Nemo auf eine Mission, um die Ordnung wiederherzustellen.

Der Film beschäftigt sich mit interessanten Themen wie Neugier und interkulturellen Freundschaften. Es wird argumentiert, dass Anime aufgrund seines kreativen Potenzials, seines visuellen Reizes und der lustigen Charaktere, die ein Familienpublikum anziehen, es verdient, Mainstream zu werden.

Der Versuch scheiterte jedoch aufgrund der langen Entwicklung mit Personalfluktuation, einer fragmentierten japanisch-amerikanischen Koproduktionsidentität, die die Märkte verwirrte, und begrenzter Kinoauflagen. Es handelte sich um einen lokalen Erfolg, mehr nicht.

MD Geist (1986)

In einer postapokalyptischen Welt konstruierte Jerra während eines Krieges den Supersoldaten Geist. In der ersten Originalvideoanimation verbündet er sich mit Banditen und einer Militärmannschaft, um das Weltuntergangsgerät „Death Force“ zu besiegen, um es dann zu aktivieren, was zu Massenvernichtungen führt. Der Rest der Fortsetzung zeigt ihn, wie er Maschinen zerlegt, gegen den Kriegsherrn Krauser kämpft und verheerende Schlachten schlägt.

Die Show befasste sich mit Themen wie Entmenschlichung durch Genmanipulationdie Sinnlosigkeit des Krieges, die moralische Unsicherheit in Bündnissen und die Zerstörung der Welt, wobei Geist Gewalt verkörpert. Trotz seiner unterhaltsamen Action und dem Lob seines US-Lizenzgebers als „der beste schlechte Anime aller Zeiten“ konnte MD Geist die Mainstream-Höchstgrenze nicht durchbrechen.

Bedauerlicherweise musste die Serie aufgrund von Produktionsmängeln eines unerfahrenen Regisseurs, unattraktiven Bildern aufgrund von Budgetkürzungen, Drehbuchüberarbeitungen und düsteren Inhalten, die das allgemeine Publikum spalteten, in einer Nische bleiben, kombiniert mit Originalveröffentlichungen, die nur aus Videoanimationen bestanden und denen es an Mainstream-Marketing mangelte.

Venuskriege (1989)

Venuskriege zeigt Susan Sommers bei ihrer Ankunft in der aphrodischen Stadt Lo inmitten einer Invasion der nördlichen Ischtar-Streitkräfte. Ein Rollschuh-Rennteam namens Killer Commandos unter der Führung von Hiro Sen gerät in einen Konflikt. Sie decken die Korruption der Regierung mit gescheiterten Farmen auf. Hiro, seine Freundin und Verbündete schließen sich dem Widerstand an. Hiro zerstört schließlich Donners Panzer, um Lo zu befreien.

Der Film schildert eine militärische Machtübernahme, Korruption und Kriegsopfer. Diese Qualitäten kommen in der energiegeladenen Action, in den Scores von Joe Hisaishi und in den von Rollerball inspirierten Science-Fiction-Rennen zum Ausdruck. Zumindest verdiente der Film aufgrund seiner geradlinigen Erzählweise und seiner Auseinandersetzung mit dem Krieg Mainstream-Anklang.

Die begrenzte Verbreitung durch Unternehmen wie Central Park Media, keine Kinoveröffentlichungen und die Beschränkung auf bestimmte Kanäle verhinderten jedoch, dass es ein breiteres Publikum erreichte. Selbst bei späteren englischen Dubs und Blu-ray-Veröffentlichungen gelang es nicht, diese Einschränkungen zu überwinden.

Der Dolch von Kamui (1985)

Der Dolch von Kamui handelt von Jirō, einem gemischten Ainu-Japaner-Waisenkind, dem der Mord an seiner Familie angelastet wird. Er trifft auf den manipulativen Mönch Tenkai und trainiert Ninjutsu. Auf der Suche nach Rache und einem Schatz, der mit Captain Kidd in Verbindung steht, erfährt Jirō von Verrat im Zusammenhang mit seiner Abstammung.

Er reist nach Amerika und trifft auf Persönlichkeiten wie Mark Twain und Geronimo, bevor er nach Japan zurückkehrt.

Der Film wird für seine hochwertige Animation, seine Kampfchoreografie, sein Drehbuch und seine vielseitige balinesische Rockmusik gelobt. Dieses Epos verdient Mainstream-Status als historisches Abenteuer, gemischt mit Ninja-Geschichten, die auf wahren Begebenheiten basieren. Allerdings beschränkten Barrieren wie tiefe kulturelle Bezüge, die Notwendigkeit, die japanische Geschichte zu kennen, umfangreiche US-amerikanische Schnitte und das Fehlen einer Franchise, den Kultstatus des Films.

Bild aus dem Animationsfilm „Barefoot Gen“: Gen übersieht einen hölzernen Gegenstand, während seine Mutter Kleidung flickt, und ein anderes Kind übersieht Gen. Alle drei sind in einer Hütte.

Barfuß Gen basiert auf dem Manga von Keiji Nakazawa. Die Geschichte porträtiert Gen Nakaoka und seine Familie Kämpfe in Hiroshima während des Zweiten Weltkriegs; Leider kommen bei dem Atombombenabwurf die meisten seiner Verwandten ums Leben. Er überlebt mit seiner Mutter und seiner neugeborenen Schwester, trotzt Strahlung, Hungersnot und Verlust, während er während der Kapitulation Japans ein Waisenkind adoptiert und im sprießenden Weizen Hoffnung findet.

Der Film zeigt den Krieg aus der Sicht eines Kindes und schildert Überleben, Trauma und Widerstandsfähigkeit. Mit einer Bewertung von 71 % für „Rotten Tomatoes“ verdienten die realistischen Darstellungen und historischen Bezüge der Geschichte größere Anerkennung als lehrreiches, aber bittersüßes Drama. Die Darstellung von nuklearem Horror und kindlichem Leid schränkte seine Attraktivität ein, da verzögerte Veröffentlichungen in den USA und der spezifische Status von Animationen für Erwachsene einen Durchbruch im Mainstream verhinderten.

Dallos (1983)

Dallos stellt eine Zukunft dar, in der die Ressourcen der Erde erschöpft sind und das Überleben vom Mond abhängt. Aufgrund ihrer harten Behandlung rebellieren Mondarbeiter und viele Kolonisten gegen die Kontrolle der Erde und setzen ihre Hoffnung auf ein mysteriöses Bauwerk namens Dallos. Im Mittelpunkt der Geschichte steht der junge Shun Nonomura, ein Idealist, der zwischen Loyalität gegenüber seiner Familie und Sympathie für die Rebellen hin- und hergerissen ist.

Der Anime dreht sich um Themen wie koloniale Ausbeutung, Rebellion, Gewalt und Spannungen zwischen älteren und jüngeren Generationen. Die Show stellt Fragen wie die Frage, ob Rebellion gerechtfertigt ist und wie man auf Unterdrückung reagieren soll. Die Geschichte konzentriert sich weniger auf Helden und Bösewichte als vielmehr auf Konflikte, die durch Ungleichheit und Kontrolle verursacht werden.

Als die erste Original-Videoanimation, Dallos hat in der Anime-Geschichte einen guten Ruf und hat spätere Science-Fiction-Geschichten inspiriert. Trotzdem blieb es ein lokaler Film, da er auf Video veröffentlicht, in frühen englischen Versionen zensiert und hauptsächlich an Nischen-Science-Fiction-Fans vermarktet wurde. Selbst als die ungekürzte Fassung 2014 erschien, erlangte sie nie große Aufmerksamkeit im Mainstream.

Böse Stadt (1987)

Böse Stadt folgt Taki, einem Regierungsagenten, der die Aufgabe hat, Giuseppe Mayart zu beschützen, eine Figur, die den Frieden zwischen Menschen und Dämonen wahrt. Er arbeitet mit Makie zusammen, während Dämonen versuchen, den Vertrag zu brechen und einen Krieg zu beginnen. Während sie Angriffen und Verrat ausgesetzt sind, kommen sich Taki und Makie näher und entwickeln eine Bindung, die für die Zukunft beider Welten wichtig sein wird.

Der Film reflektiert dunklere Konzepte von Macht, Gewalt und wie Frauen in gefährlichen Systemen behandelt werden. Der von Yoshiaki Kawajiri inszenierte Film wird für sein schnelles Tempo, seine beeindruckende Grafik und seine coolen Actioneffekte gelobt. Der auf Erwachsene ausgerichtete Inhalt, die Veröffentlichung, die Zensur und die schwachen englischen Synchronisationen hielten es jedoch davon ab, ein breites Publikum zu erreichen, sodass es eher ein Kultklassiker als ein Mainstream-Hit war.

Vampirjäger D (1985)

Vampire Hunter D-Anime-Screencap eines Mannes und einer Frau, die sich gegenseitig umarmen

Vampirjäger D ist eine Geschichte, die in der fernen Zukunft spielt. Die Geschichte handelt von D, einem halb Mensch, halb Vampir-Krieger, der als Dhampir bekannt ist. Er wird von einer jungen Frau namens Doris Lang angeheuert, nachdem sie vom Vampir Graf Magnus Lee gebissen wurde. Während D den Grafen jagt, sieht er sich Monstern, wütenden Menschen und seinem eigenen Kampf mit seiner Vampirseite gegenüber.

D wird sowohl von Menschen als auch von Vampiren gefürchtet, was ihn isoliert. Der Film reflektiert die Erlösung und den langwierigen Konflikt zwischen Menschen und Vampiren in einer zerbrochenen Welt und untersucht Themen wie Isolation, Vorurteile und Selbstbeherrschung.

Bekannt für seine düstere Stimmung, seinen gewalttätigen Ton und die Charakterdesigns von Yoshitaka Amano, die von klassischen westlichen Horrorfilmen inspiriert wurden. Während die Animation gelobt wurde, bemerkten Kritiker, dass die Handlung vertraut vorkam. Das begrenzte Budget, die schlechte englische Synchronisation, die Ausrichtung auf Erwachsene und die Veröffentlichung verhinderten, dass es zum Mainstream wurde, obwohl es später im US-Fernsehen ausgestrahlt wurde.

Nacht auf der Galaktischen Eisenbahn (1985)

Nacht auf der Galaktischen Eisenbahn erzählt die Geschichte eines jungen Katers namens Giovanni, der mit seiner Freundin Campanella in einen magischen Zug steigt und durch die Sterne reist. Auf ihrer Reise durch die Galaxie treffen sie seltsame Passagiere. Am Ende erfährt Giovanni, dass Campanella in der realen Welt ertrunken ist.

Der Film schreitet durch die Kindheitsphantasie zu Tod, Freundschaft, Aufopferung und Entlastung voran. Es enthält auch christliche Symbole und Fragen zum Schicksal der Seelen nach dem Tod. Was als Abenteuer beginnt, wird zu einer Reflexion über Verlust und Erwachsenwerden.

Der Film gewann 1985 den Ōfuji Noburō Award und wird für seine Schönheit, die sanften Filmmusiken von Haruomi Hosono und die einzigartigen Tiercharaktere gelobt. Unabhängig davon bleibt es unbekannt, da es sich um eine unabhängige Show handelte, die lang, düster und nicht für Kinder geeignet war.

Engelsei (1985)

Engelsei spielt in einer zerstörten Weltwo ein junges Mädchen ein zerbrechliches Ei beschützt. Sie trifft einen fremden Jungen und die beiden reisen gemeinsam durch leere Städte voller Bilder. Als der Junge das Ei zerbricht, ist das Mädchen am Boden zerstört. Dies führt zu einem beunruhigenden Ende.

Der Film erklärt sich nicht klar. Stattdessen erforscht es Ideen über Glauben, Hoffnung, Träume, Verlust und Realität anhand starker Symbolik. Beeinflusst von Denkern wie Carl Jung und dem Filmemacher Andrei Tarkovsky lädt die Geschichte den Betrachter zum Nachdenken ein.

In Japan gilt der Film als poetisches Meisterwerk und im Westen hat er aufgrund seiner düsteren Bilder und Atmosphäre Kultstatus erlangt. Der Mangel an Dialogen, die kryptische Handlung und der experimentelle Stil verwirrten jedoch viele Zuschauer. Dadurch wurde die Veröffentlichung des Films eingeschränkt und er blieb einem Nischenpublikum vorbehalten.